Comment composez vous la batterie

[YoniBlond]

Une question assez générale en fait, je m'intéresse plus à l'aspect pratique qu'à l'inspiration. C'est à dire, de quelle façon "créez" vous les parties batteries sur chansons composées en groupe.
Pour ma part j'ai eu un groupe où le guitariste composait absolument tout et nous envoyait la chanson en format GuitarPro (bien sûr on adaptait pour le détail). J'ai maintenant un autre groupe où le guitariste arrive avec des idées, les joue et on se greffe dessus en improvisant quelque chose qui va avec, ça se fait totalement à l'oreille donc. Deux façons assez différentes d'appréhender un morceau, autant pour imaginer des parties que pour le pratiquer et s'entrainer. Avec les partitions on peut travailler seul, dans l'autre cas c'est plus difficile (seulement de mémoire).
Et pour vous, comment la composition se passe ? :P

[Kapout]

dans l'autre cas c'est plus difficile (seulement de mémoire).

Enregistre les répètes, ou demande à ton gratteux ou ton bassiste de t'enregistré sa partie, ou alors au pire note-là rythmiquement !

Mais les portables de nos jours sont de très bons enregistreurs pour ce genre de chose (je pense à l'IPhone par exemple).

Pour moi généralement on part d'une idée, d'une intention dont on discute un peu, puis on fait tourner en cherchant des idées, et en enregistrant, ensuite chez moi je réécoute, je retravaille, si nécessaire j'écris quelques trucs, puis je propose à la prochaine répète, et on voit ce qui se passe

[coyote stick]

C'est toujours utile d'enregistrer les répètes, c'est un excellent pense-bête pour mémoriser la structure d'une chanson, se rappeler un break génial joué sur le vif qu'on a pas eu le temps de décortiquer...
Après ça dépend aussi de la façon de créer en groupe ; c'est pas nécessairement le gratteux qui dirige tout (surtout s'il y a un chanteur ). Il y a des groupes où le processus de composition est plus démocratique.

En ce qui concerne plus spécifiquement la partie de batterie, j'essaie toujours de trouver l'ostinato le plus épuré, avec le moins de notes possibles (surtout au niveau de la GC) de façon à laisser un maximum d'espace aux autre instrus. Pour les fills, je me creuse pas trop la tête et j'utilise les toms essentiellement pour ponctuer les changements de riff.
Autre point important : "l'habillage" rythmique. Certaines compositions requièrent un pattern très minimaliste pour bien sonner ; tu peux très bien te démarquer du tryptique habituel charley/GC/CC en misant sur d'autres sonorités (percus, sons électro...). Aujourd'hui, le choix de la texture sonore a autant d'importance que la qualité d'exécution.

Tu peux aussi consulter ces liens :
http://www.ladrummerie.com/viewtopic.php?f=16&t=31288" onclick="window.open(this.href);return false;
http://www.ladrummerie.com/viewtopic.ph ... 0&start=30" onclick="window.open(this.href);return false;

[YoniBlond]

J'avais déjà pensé enregistrer mais j'oublie sur le coup. Cela dit j'ai peur qu'avec notre style le téléphone sature vite, peut être en le planquant sous un sweat-shirt ou autre.
Vous enregistrez vos répètes avec un téléphone ?

Sinon méthode entre les deux qu'un ami pratiquait, avoir un tableau blanc en répète et y noter toute la structure (les mesures, 5/4 et autres), faut dire qu'il jouait un style assez complexes, avec beaucoup de changements et de mesures asymétriques. Le groupe jouait en gardant ça à portée d'oeil. Enfin bon ça n'aide pas spécialement pour le détail. Il est clair que pouvoir entendre la musique sans la jouer donne une autre dimension.

[Kapout]

Non, un membre a un zoom H4, mais j'ai déjà fait l'expérience avec un iPhone ça marchait bien.

[esthetepiggie]

Je suis d'accord avec Coyotte, en ce qui me concerne les albums que j'ai pu faire comportent tous une part d'impro. Car de la meme façon qu'une premiere prise comporte une part de magie, une impro laisse libre court à la spontanéité qui reste le meilleur point d'équilibre entre ton savoir faire et la création pure.

[coyote stick]

Je reviens sur le sujet car je viens juste de me réécouter une flopée de titres que j'ai enregistrés avec mon groupe lors des deux dernières années.

J'avais déjà remarqué que mes parties étaient plus simples sur les morceaux que je composais. Et là, je m'aperçois que j'ai tendance à en mettre plus quand la chanson me plaît moins, comme un aveu d'égarement ou d'ennui... que je cherche à tromper en chargeant mon jeu.
C'est pas nécessairement anti-musical -et ça reste à relativiser en fonction du style- mais le niveau de simplicité de mes parties reflète souvent la façon dont j'apprécie le morceau.

Pour de l'instru, je peux avoir une approche différente, l'absence de chant me permettant d'avoir un discours plus étoffé. Après, tout dépend aussi de la place qu'occupe la batterie dans le mix. Nous, en règle générale, on aime bien que la rythmique soit pêchue

[Jabul]

Pour moi, tout dépend du projet dans lequel je joue.

Actuellement, le contexte est très pop/electro (le mouvement à la mode quoi), du coup mes parties restent très "simples".
Attention, une partie simple ca demande beaucoup de travail de mise en place, de ressenti, et de précision.
J'ai beaucoup de respect pour les batteurs qu'on considère comme "simplistes".

Au fur et à mesure que j'apprends, j'en mets moins, j'écoute et j'essaye d'agir en fonction.
Pour ce qui est de la composition en groupe, je considère que faire tourner un riff un bon milliard de fois est nécessaire avant d'obtenir une cohésion!

[passager]

...Pour ce qui est de la composition en groupe, je considère que faire tourner un riff un bon milliard de fois est nécessaire avant d'obtenir une cohésion!

c'est aussi mon avis, d'autant plus qu' il peut en sortir plein d'autres idées pour agrémenter une structure , future ou déjà existante...

[coyote stick]

Un truc important à définir aussi avant d'enregistrer : le tempo.
Il ne doit pas nécessairement être constant, mais il vaut mieux définir au moins un tempo de départ, à partir duquel on peut ensuite s'autoriser des fluctuations.
Dans mon groupe, c'est souvent la respiration du chant qui détermine la vitesse de jeu.

[Jabul]

Effectivement le tempo a son importance!
On se retrouve des fois a baisser le tempo de 2 points et le morceau n'a plus rien a voir!
Comme quoi...

[Geronimo]

Bonjour là dedans.

Effectivement le tempo a son importance!
On se retrouve des fois a baisser le tempo de 2 points et le morceau n'a plus rien a voir!
Comme quoi...

Un excellent point de travail dans le "processus compositionnel", c'est de jouer un même morceau 10pts plus vite mais aussi 10pts plus lentement !
Cela permet d'entendre le morceau autrement, parfois de se décider sur un tempo différent, parfois de s'apercevoir que ce qu'on faisait à 133 était naze alors qu'à 123 on a trouvé la béchamel plutôt bonne, mais que l'appliquer à 133 ne sera pas possible ou difficile ou pas ^^ ! Mais cela permet également de mieux cerner les différentes choses qui se produisent à différents tempos !


Pour répondre à la question "Comment composez vous la batterie", c'est une question assez récurrente qui n'a de réponse que dans ses propres tripes !
Chacun a sa popote ! Mais il y a quand même des choses que je trouve importantes bien entendu.

Je plussoie l'argument donné plus haut "faire tourner un milliard de fois". Oh que oui ! Et pas toujours au même tempo (cf ce que je viens de dire ci dessus ^^), enfin sauf quand on a trouvé la bonne béchamel ^^.

Autrefois il y avait les Mozart, Beethov, Bach (ahhhh, Bach !), puis il y a eu les Robert Johnson, les ensembles de jazz, où la part belle était faite à l'impro autour d'écrits, puis le "rock" etc... (bon j'ai pris des raccourcis hein )
Aujourd'hui, étrangement, je trouve que de nombreuses musiques "actuelles" reviennent au format "écrit", sauf que c'est rarement une seule personne qui écrit tous les instruments.
Du coup, on se trouve confronté à devoir créer du "génie" (n'ayons pas peur des mots, "génie" dans le sens musical du terme bien sûr ) dans une entité faite de plusieurs instrumentistes. Et je crois, à mon sens, que c'est extrêmement difficile, car chacun pourrait y aller de son "ego". Parfois la béchamel prend, parfois non et elle est du coup remplie de grumeaux désagréables.

C'est donc une démarche bien sûr très difficile, car lorsque l'on compose en groupe, on n'est pas seul face à 3 ou 30 instruments différents, et on n'a souvent que 2h à 6h pour créer/répéter/travailler ... par semaine, parfois moins pour certains. Un Mozart ou un compositeur actuel est seul face à sa feuille de papier et ses connaissances instrumentales, il n'a donc aucun autre ego à affronter que le sien, et bien entendu, TOUT vient de lui.
En groupe, TOUT vient de tout le monde, c'est autrement plus difficile.

Le plus important pour moi dans le cadre de la composition "en groupe", c'est déjà de savoir laisser son ego à l'entrée du local au profit de la Musique. C'est essentiel.
Savoir accepter qu'un bassiste dise "tiens si tu faisais plutôt ceci ou cela, parce que je joue ceci qui collerait bien avec cela je pense"... tout autant qu'un guitariste sache accepter d'un batteur "Ton passage sur le Fa Majeur me semble vraiment étrange, pourquoi ne pas utiliser plutôt un Fa sus4 ou peut être en l'arpégeant ?" et tout autant qu'un chanteur puisse accepter d'un guitariste "Fais gaffe, ta mélodie est super je trouve mais tu es faux car tu atteints tes limites là, peut être essaie une autre voie dans ton parcours mélodique, écoute l'enchainement d'accords, tu y trouveras sans doute la solution." Etc Etc ... (bon je laisse tomber les chanteuses volontairement, elle ne savent pas ranger leur mascara, alors leur ego... *évite les bouteilles lancées par les chanteuses passant par ici ^^*

Personnellement, j'ai appris à ranger mon ego depuis un bon moment, et lorsque l'on compose par exemple avec Can('t), et bien parfois certaines parties de batterie sont des idées proposées par Antoine, enfin plutôt des pistes données puisqu'il ne connait pas assez l'instrument. Mais je travaillerai alors dans "sa" direction, parce que je sens qu'il a une bonne idée. Parfois l'idée est mauvaise, je le sens, mais je la teste quand même parce que je sais aussi qu'il va se rendre compte par lui même en entendant que c'est mauvais... mais j'aurais pu avoir tort donc essayer quand même est essentiel !
Lorsque ce sont mes propres idées, cela viendra parfois de la basse, parfois de la guitare, et parfois pour appuyer une intention du chant.
Mais le plus souvent, nous trouvons assez vite se qui pourrait coller musicalement, ce qui ne nous empêche pas de jouer et rejouer et rerejouer ces mêmes morceaux, car souvent ils finissent par prendre une toute autre forme !
Ce qui est génial par contre dans un travail de groupe, ce sont ces moments forts où, l'un des membres a une chouette idée pour, par exemple, appuyer un passage, et que quasiment au même moment les autres membres du groupe ont la même idée !!! Et ça, c'est juste super, ce sont des moments magiques dans la vie d'un groupe !

Mais pour en arriver là, plusieurs choses sont, à mon avis, essentielles, il faut que plusieurs points fassent partie intégrante de ce groupe :
1/ Une entente humaine excellente, autrement dit une amitié sincère et un respect de l'autre.
2/ Un ego rangé dans la poche dès le début de la répétition.
3/ Des musiciens capables de proposer et d'accepter des idées.
4/ Une oreille vraiment attentive à ce qui est joué par les autres, et donc une concentration vraiment forte !
5/ Savoir jouer en aillant une écoute comme si l'on ne jouait pas. (extrêmement difficile à réaliser évidemment, parfois je pense y parvenir, mais c'est très dur de rester dans cette position !)
6/ Une mémoire musicale infaillible ! S'enregistrer c'est bien, mais retenir par soi même c'est encore mieux !

Ce dernier point, sur la mémoire, est à mon sens primordial en composition. Car si l'on ne retient pas une idée, c'est que, soit elle ne "marque" pas, soit elle ne "sert" pas la chanson/musique, soit on n'a pas été suffisamment concentré pour la retenir, soit on a une mémoire de merde ^^ (pour cette dernière raison, la mémoire ça se travaille aussi )

Pour finir et en revenir à proprement parler à la batterie uniquement et pour mon propre cas personnel, dans le détail je vais respecter une certaine "forme" générale ( "construction" ), mais sur le "tout", j'aurai toujours tendance à improviser autour de cette "forme". Je ne jouerai que rarement à la note près ce que j'ai déjà joué, sauf dans les cas où je sais que ça sert totalement un passage, un moment fort, un morceau entier, certaines intentions... mais pour moi, il me semble vraiment important d'être capable dans la musique actuelle de ne pas rester "figé" sur une même partie qu'on va jouer exactement pareil tous les jours, tous les soirs...etc...surtout à la batterie en fait.
Attention, cela va dépendre évidemment de quelle "musique actuelle" nous parlons, en tout cas, pour ma "paroisse", je parle de musiques où cela est bien entendu possible, certains styles de musiques ne permettent pas cette liberté, mais je ne joue pas dans cette sphère musicale là, donc je m'en fiche ^^

Voilà, en espérant que mon message t'ai aidé un tant soit peu, ou pas, je souhaitais juste te partager ma vision personnelle des choses
Pardon pour le pavé ^^

Quoiqu'il en soit,
Keep on groovin'
Josselin

[BarDkn]

je plusune complètement tout ca. J'ajouterais juste que laisser son ego au placard c'est bien évidemment accepter de tenter des choses proposées par d'autres membres du groupe, mais également rester modeste et souple quand on propose un truc aux autres. Plusieurs fois on a tenté de m'imposer une partie sans me laisser la possibilité d'essayer de me l'approprier ou de tester mes propres idées, et très énervant.

[coyote stick]

Je voudrais pas trop m'attarder trop longuement sur l'aspect collégial du processus de composition dans un groupe, car la question portait plus spécifiquement sur la partition de batterie. En résumé, je dirais qu'à partir du moment où on décide de composer ensemble, on doit bien sûr accepter la critique, et surtout avoir conscience que le résultat final sonne rarement comme on l'entend dans sa tête.
Mais pour en revenir à la batterie elle-même, j'applique toujours la règle du final cut : je veux bien écouter les idées des autres, mais si j'estime que mon idée est la meilleure (ce qui n'est pas toujours le cas) c'est moi qui décide en dernier recours. Et j'applique la même règle avec les autres instrus ; je laisse mon bassiste et mon gratteux choisir la partition qui leur semble la meilleure, même si je leur donne parfois des suggestions. J'estime que c'est le meilleur moyen pour chacun de de se sentir impliqué dans l’écriture du morceau.
Ce type de règle est bien entendu plus facile à mettre en place lorsqu'on joue dans un groupe amateur. Mais l'alchimie humaine reste tout aussi complexe entre plusieurs musiciens.

[BarDkn]

Ouaip, à mon avis c'est assez important aussi, d'autant qu'un musicien, surtout en contexte amateurs ou "semi-pro" jouera d'autant mieux une partie qu'il apprécie et juge pertinente.